Por Vicente Dolz. (2021)

https://100asa.com/blog/interview-with-luis-rabanal.-the-artisan-photographer

Luis Rabanal (www.luisrabanal.es) es para la fotografía lo que era un zapatero de principios del siglo XIX. Le encanta lo que hace y lo hace con precisión. Es fotógrafo de afición y profesor de fotografía de la Universidad Popular de Fuenlabrada (Madrid, España). La gente que asiste a sus cursos lo adoran; es amable y le encanta enseñar sus técnicas de laboratorio. Le gusta llevar su cámara de gran formato e ir al campo a tomar fotografías. Estas fotografías fueron exhibidas en circuitos populares, salas de exposiciones y mercados nacionales. No es un gran fanático de apariciones estelares, redes y medios de comunicación.
Conocí a Luis en 2014 en Mirartephoto, un Festival de Arte que se celebró en Guadalajara. Desde entonces nos encontramos en otros eventos, como EntreFotos La Feria (https://www.facebook.com/entrefotos.laferia/). Sigo su carrera y lo vi participando en muchas más exposiciones y todavía da cursos de cuarto oscuro.

Aprendamos más sobre este fotógrafo artesano a través de esta entrevista.

¿Cómo empezó todo, Luis?

Por una crisis de identidad: hace 20 años pasé por una crisis personal. Un momento de desánimo, falta de esperanza y horizontes. En ese período, sólo quería pintar caras hermosas. Pero el dibujo y la pintura eran demasiado lentos para mí. Un amigo me dejó una vieja Zenit 12xp y comencé a fotografiar lo que estaba a mi alrededor. Inmediatamente encontré la visión de la belleza que me rodeaba.
También había algo adictivo esperando a ver los resultados que regresaban del laboratorio. Pero algunos de los rollos de la película me llegaban, tenían arañazos, pelos, huellas dactilares… Así que decidí tomar el control de todo el proceso. Compré un tanque de revelado de películas en blanco y negro. Finalmente compré también una ampliadora, cubetas, productos químicos. Sigo completamente enganchado a la fotografía química en BW desde entonces.

Te he visto trabajando en el laboratorio y me di cuenta de que te encantaba lo que estabas haciendo. ¿Te consideras meticuloso, preciso?

Es absolutamente necesario y nunca se es lo suficiente. La reinterpretación de una imagen se realiza en el proceso de laboratorio. Tienes que hacer que el contenido de la foto corresponda realmente con lo que has visto y con lo que tenías en mente al hacerlo. Tienes que volver a compner la imagen del negativo, ajustar el brillo y el contraste de la escena, tienes que elegir el tipo de papel que usar para obtener los mejores resultados. Todos estos elementos son parte del lenguaje que desea dar a la imagen.

Además, se produce la trayectoria inversa a cuando tomaste la foto: la luz ahora no entra en la cámara, sino que atraviesa el negativo y permite crear una nueva realidad que refleje el original. Este proceso de creación requiere ser respetuoso y meticuloso.

También es importante garantizar la calidad de las copias y los negativos para que duren mucho tiempo. Las fotografías analógicas están sujetas al paso del tiempo. Así que ser meticuloso es fundamental. Ahora veo algunas de mis primeras copias de hace 20 años arruinadas por un mal tratamiento de papel fotográfico.

¿Porqué los paisajes, protagonista principal de tus fotografías?

En la naturaleza no hay dimensiones humanas: hay silencio, ausencia de palabras y conceptos. Un individuo aislado en medio de la naturaleza experimenta el vacío, la nada y se percibe a sí mismo en sus verdaderas dimensiones de finitud y pequeñez. Para mí, estas dimensiones son la verdad de nuestra existencia. Todo lo demás es un escenario, un decorado. La naturaleza es el espacio que muestra la verdad de la existencia.

Cuando tomo fotografías en la naturaleza extraigo un cuadrado o un rectángulo de él y a eso lo llamamos paisaje. La fotografía paisajística es un espejo del interior de su autor.

Nunca veo gente en tus paisajes. ¿Porqué?

En la pintura romántica, el espacio natural es el escenario y el protagonista, creando así el paisaje como tema artístico. En muchas de las pinturas de esa época, un pequeño ser humano se pinta o se añade en algún lugar. Era una representación de nuestra pequeñez y de la grandeza del paisaje.

Representar el paisaje vacío sin gente dirige nuestra mirada al mundo de las no-palabras, los no-objetos. Esto también es real y puede ser más real que la realidad misma. La presencia humana en las fotos vaciaría este contenido.

Has elegido la fotografía química. Sé que también has hecho digital pero has vuelto a la química. ¿Porqué?

Empecé con la fotografía analógica y sigo e ella. Con la fotografía analógica encuentro un ritmo de trabajo similar a mi propia capacidad de relacionarme con el mundo. No me saturo de imágenes y mantengo una relación física con todo el proceso fotográfico. Además, el resultado es un objeto, una copia en papel, una foto enmarcada, una caja de fotos, un libro de fotos… algo físicamente real. También está el carácter estético que se obtiene con ópticas, películas y papeles analógicos. Es una estética algo más imperfecta que la digital y me gusta eso. También tomo fotografías digitales pero con ellas tambien quiero que acaben siendo un objeto físico, un libro de fotos por ejemplo. Es el medio natural de cualquier fotografía, analógica o digital.

Durante 9 años ha participado en mercados fotográficos. Dinos, ¿cuáles son y cómo los experimentaste?

Se trata de mercados en la calle o en espacios culturales donde los fotógrafos muestran su trabajo. El público que viene a estos mercados tiene la posibilidad de ver, tocar y adquirir el trabajo y dialogar con los autores. Participé en muchos de ellos durante los últimos 7 años en diferentes partes de España: Madrid, Barcelona, Ubeda, Guadalajara… Estos mercados tienen un público diferente y casi ningún beneficio económico. Hoy en día, sigue siendo una actividad que me trae mucha satisfacción. No es una actividad comercial. Dejé de verlo así y de frustrarme por no ganar dinero con ello. Es una especie de performance en la que el autor pone su obra a disposición del público. El verdadero protagonista es el diálogo entre la persona que viene y mis imágenes. No soy el protagonista.

Algunas personas tocadas por su diálogo con una imagen se acercarán a mí para preguntar sobre técnicas y estéticas o por cuestiones de precios. Algunos comprarán una imagen porque se encuentran con ella y quieren le acompañen en el tiempo y el espacio. Cuando esto suceda, estoy muy feliz, pero si no sucede ya no marcho triste a casa.

¿Das clases a personas de todas las edades? ¿Cómo interactúan los más jóvenes con las cámaras analógicas?

Bueno, tanto el más joven como el más viejo, todo el mundo asume que la fotografía analógica está desapareciendo, pero esa afirmación es absurda. El mercado es responsable de forjar este pensamiento. Cuando la gente termina mil curso de fotografía analógica de BW, todos expresan una gran satisfacción por el tiempo dedicado a crear sus imágenes y afirman la enorme importancia de conocer estas técnicas para aumentar la cultura y el amor por la fotografía. No todo el mundo seguirá practicándolo, pero todos aprovecharán la oportunidad para entender y admirar el trabajo de los mejores fotógrafos de la historia. La fotografía analógica en para todos, pero no todos son para la fotografía analógica.

¿Quiénes son los fotógrafos inspirando?

Me gustan mucho Robert Adams y Eugene Atget. En ambos reconozco esa sensibilidad para los espacios vacíos como el idioma principal. Admiro la ética y la estética de Sebastiao Salgado. August Sander y Gabriel Cualladó me animan a mirar a la gente que me rodea. Martin Parr y Larry Towell me ayudan a reflexionar con sus formas de abordar la realidad.

¿Crees que el proceso creativo es estacional, va y viene?

Creo que la creatividad es una capacidad humana que debe cultivarse. Creo que tiene que ver con el nivel de conciencia, con la capacidad de ver las cosas tal y como realmente son o con un estado mental especial en el que las ideas vienen a ti. Un buen amigo me regaló un libro de David Lynch: ‘Atrapa el pez dorado’ en el que el cineasta afirma que el acto creativo es egoísta porque se necesita todo el tiempo para sí mismo, y porque nuestro ritmo de vida es incompatible con esa libertad para dar tiempo a las cosas.

¿Hay un libro que usted recomendaría y/o que te ha ayudado de una manera creativa?

Hay un filósofo que me ayuda a reflexionar sobre mí mismo, a sumergirme en aguas profundas para encontrar mi propia visión: Byung-Chul Han. Cualquiera de sus libros es una fuente de inspiración para mí. También me gusta leer el Dhammapada, un texto budista que me calma y me ayuda a volver a la esencia. No encuentro creatividad sin silencio y reflexión. Técnicamente, me quedo con la trilogía de Ansel Adams: Sin técnica no hay creatividad útil.

¿Qué cámaras y focales sueles usar y porqué?

Hasta hace poco mi cámara era un Rolleiflex 3.5f. para casi todo. Ligera, alta calidad óptica y mecánica. Tuve que venderla para conseguir un 80mm para Hasselblad. Así que ahora mismo esta es la cámara que utilizo más comúnmente con 50mm para paisaje e interiores y 150 mm para retratos. También trabajo con un Toyo 45A con placas 9×12 y 150mm, 90mm y 65mm de óptica Schneider. Cuando quiero ir más ligero uso unal Nikon f100 con 28mm Ais. Para la fotografía digital utilizo una Nikon D800 y un Fuji X-E3.

¿Alguna recomendación para los más jóvenes y para los que empiezan con la fotografía?

No tengas prisa por hacer nada. La prisa mata el espíritu. Se necesitan muchas horas de vuelo para entender cualquier arte o ciencia. Y no absolutizar la fotografía. Hay cosas más importantes en la vida que tomar fotos.

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